Carpenters Workshop
Conoce a Loic Le Gaillard, parte del dúo de esta famosa galería europea que cautiva por su selección de piezas escultóricas.
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En la pasada edición de Zona MACO 2016, se presentó por primera vez la galería Carpenters Workshop, fundada en 2006 por Loic Le Gaillard y Julien Lombrail, con ubicaciones en París, Londres y recientemente en Nueva York. Esta se ha distinguido por presentar colecciones contemporáneas que se enfocan en el trabajo escultórico y no solo en lo funcional. Durante la feria de arte, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Le Gaillard, quien nos habló sobre su curaduría artesanal y las nuevas iniciativas que su espacio le ofrece a los diseñadores.

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  • ¿Cómo empezó la galería?

Empezamos hace 10 años e identificamos que había un problema en el mercando con lo que llamamos “esculturas funcionales”. No teníamos un interés en el diseño per se, sino en esculturas que contenían un elemento de funcionalidad. En la galería creemos que hay una línea muy fina entre el arte contemporáneo y el diseño.

  • ¿Qué retos surgieron al intentar establecerse? Como mencionas sus piezas se distinguen por un elemento escultural, muy diferente a otros espacios.

Creo que lo principal era demostrar al mercado y al público, el hecho de que el diseño no era solamente acerca de lo funcional y materiales excepcionales. Sino por el contrario, que una pieza de diseño podía contener una emoción, un viaje artístico e incluso una historia. Y justo de la misma forma en la que observas una obra de arte, que el diseñador te pudiera platicar la razón por la cual un objeto ha sido creado. Esto es con lo que hemos intentado posicionarnos, de hecho creo que así es como nos reconocen los clientes, por tener un diseño escultural con una identidad fuerte. Por lo que cada vez que alguien nos visita, van a ver diferentes objetos que les pueden agradar o desagradar, pero que al menos entenderán porqué se realizó esa decisión artística.

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  • ¿Cómo es su proceso de curaduría?

Lo principal que mi colega y yo consideramos es que si la pieza es algo con lo que podríamos vivir y después buscamos que esta quede con nuestra temática. Cada diseño debe tener, incluso antes de mirarlo, una identidad e historia. Nosotros tenemos que entender la razón de su creación y porqué se decidió hacerla. Si solo apela a lo funcional entonces no nos interesa, queremos que cada objeto tenga su propio ADN. Me especializo en un segmento muy específico, en el que hace que te cuestiones si el objeto es una escultura o una mesa de centro. Sin embargo, al final demostramos que es posible mezclar los dos.

  • ¿Considerarías que hay un elemento de interactividad en sus piezas, que no se percibe en el diseño funcional?

No hablaría precisamente de lo interactivo, sino del hecho que puedes vivir con la escultura y usarla. Y en este proceso, descubres que hay elementos funcionales que te permiten vivir con ella.

  • En estos 10 años de existencia ¿hay algún artista o diseñador con el que mantienes un interés particular?

Con todos los artistas con los que trabajamos hemos tenido un gran trayecto, compartido emociones y recuerdos. Como con Jeop van Lieshout y otros creativos, que han permanecido con nosotros en estos 10 años y, si lo han hecho por tanto tiempo es porque realmente su estilo se ha mantenido vigente y nos han logrado seducir con sus diseños.

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  • ¿Qué cambios has observado en la promoción del diseño y el mercado desde la apertura de la galería?

Primero que las casas de subastas se han vuelto bastante activas tanto en Europa como en Estados Unidos. Y han hecho un excelente trabajo en promover este diseño artístico al mercado. También el número de revistas y medios ha ido en aumento. La prensa que habla sobre diseño e interiorismo ha incrementado en los últimos años, por lo que ha sido una gran plataforma promocional.

  • Con los blogs y el surgimiento de diferentes sitios web como espacios de promoción para el diseño, ¿crees que de cierta forma ha cambiado el propósito de las galerías?

Aunque vivimos en una era digital, las galerías se mantienen pues existe la necesidad de un espacio de compra. Los clientes van a querer verlo y tocarlo, y hasta cierto punto van a querer acercarse a la galería para esa interacción.

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  • ¿Cómo buscas nuevos talentos para la galería y, de qué manera los apoyas para que sean parte de Carpenters Workshop?

Desde el día uno hay una discusión sobre los proyectos con los propios diseñadores. Nos comprometemos con el proceso, algunas veces ayudamos a definir el diseño y una vez que todos estamos de acuerdo en que es el camino artístico correcto, comenzamos a mostrarlo en nuestras galerías en Londres, París y Nueva York o en ferias internacionales. Pero lo principal es que nos involucramos completamente, de la A a la Z.

  • Ustedes se han preocupado por cuidar la labor artesanal de sus diseñadores al crear un taller y espacio de trabajo, ¿qué tan importante crees que sean estas iniciativas por parte de las galerías?

Lo importante es estar ahí para apoyar lo artesanal. Esto es relevante porque hay muchas técnicas y conocimiento que se pierde cada año, por lo que existe una responsabilidad moral para que esto no continúe. En la galería tenemos una gran dependencia con este tipo de trabajo, porque los creativos vienen a nosotros con sus conceptos pero requieren de espacios y ayuda para lograr sus ideas. Y debido a esto, decidimos integrar esas técnicas dentro de un mismo sitio que es el taller. Esto ha ayudado a que tengamos una respuesta inmediata, así como experimentar y expandir nuestros horizontes con nuevos materiales. Además podemos discutir todo esto con los diseñadores y crear una relación de equipo entre el artista, los artesanos y la galería.

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  • Con su nuevo espacio en Estados Unidos y con la participación en Zona MACO, en un mercado latinoamericano, ¿has notado diferentes maneras en las que se perciben las colecciones de tu galería?

No realmente ya que le hablamos a un segmento del mercado muy específico y bastante global. Nuestros clientes ven lo que sucede en Europa, Estados Unidos y demás espacios internacionales de arte, por lo que están al tanto de los diseños. Y en particular ahora con nuestra incursión en América Latina, he notado que tiene su propia cultura, lenguaje, pero con personas de mente abierta por lo que es muy emocionante conocer gente nueva y ponernos en contacto con diseñadores, que si se adaptan en nuestra estética, próximamente podrían estar en nuestra galería.

  • ¿Cómo ves el futuro de Carpenters Workshop?

Yo creo que conservaremos nuestro enfoque en lo escultural en el diseño y remarcar el hecho de que nuestro espacio tiene una consistencia. Así la gente viene a ver tu colección que hasta el momento, la hemos planeado como una galería totalmente artística. Considero que mi punto de vista se ha adaptado a los tiempos y a los retos, por lo que es bastante dinámico y eso es una de las partes más emocionantes de este negocio.

carpentersworkshopgallery.com